Duographie retraces ten years of the creation of the artist duo Pétrel I Roumagnac (duo), formed by Aurélie Pétrel and Vincent Roumagnac. At the crossroads of visual arts and theatre, their work explores the dialogue between photography and staging through installations with reactivation protocols and photostage pieces. Since 2013, they have been designing creations that evolve in accordance with their exhibition environment, questioning the conventions of the visibility of works, both in space and time. Each of the pieces presented by the duo is constantly moving in its exhibition space, evolving between latency time, reserve space and redistribution in space, according to successive rearrangements of photographic objects and other materials that make up them. The result is hybrid installations, a contemporary object theatre with blurred temporalities, a mixture of still images, body traces and performative sculpture in perpetual movement. The book takes the position of focusing visually on de rêves, d’Astérion, and de l’Ekumen, the trilogy of photoscenic pieces created by the duo between 2016 and 2023, each offering an immersive dive into their abundant floating universe. The duophonic play in nine scenes reproduces, in a theatre format, interviews between the two protagonists, which, together with friends passing through the course of their discussion, take place throughout the work played in and for the book, and illuminating, at the heart of the words inside, the ten years of this unique work in duo.

La pratique photographique d’Aurélie Pétrel interroge le statut de l’image, son utilisation ainsi que les mécanismes de sa production. Ancrées dans la durée, ses recherches visent à ramener la prise de vue au centre de la réflexion multisensorielle à l’aide de dispositifs spatiaux. Aurélie Pétrel pose la question de la mutation-mutabilité d’une image, son potentiel de fractalisation, non seulement en soi mais aussi dans ce qu’elle peut provoquer comme trouble en son expérience de pluriperception. Pour elle, une prise de vue génère une multitude de prises de point de vue. Les temps et les espaces ne cessent de se superposer, tout en ne cessant pas de se disjointer. L’image mouvante se redistribue et ses métamorphoses consécutives viennent ainsi déjouer son absorption consensuelle, sa perception une et définitive, son moment et sa position décisifs. Mettant en oeuvre les outils formels et les processus intellectuels tant des artistes que des chercheurs, Pétrel associe une démarche plasticienne et conceptuelle dans une suite programmatique de mises en situation, où le format exposition rejoue à chaque fois différemment, la dimension interprétative de toute partition, de toute photographie en latence, de toute forme en attente de métamorphose. Son travail fait partie de la collection du Musée de l’Élysée de Lausanne (CH) ; du Centre National d’Art Moderne (MNAM)–Centre Georges Pompidou, Paris, du Centre National des Arts Plastiques (CNAP), du FRAC Normandie Rouen et du FRAC Occitanie Montpellier…

Aurélie Pétrel, formée à l’École des Beaux-Arts de Lyon en 2006, enseigne en tant qu’artiste et responsable du Pool photographie au sein de la HEAD – Haute École d’art et de design de Genève depuis 2012 et co-dirige le Laboratoire d’expérimentation du CIPGP – Collège International de Photographie du grand Paris depuis 2018. Son travail est exposé en France et à l’étranger. Il est représenté par la galerie Ceysson & Bénétière, Gowen Contemporary (en solo) et par la galerie Valéria Cétraro (en duo avec Vincent Roumagnac).

Vincent Roumagnac est un metteur-en-scène, scénographe, et chercheur basque-français né à Biarritz en 1973, basé à Helsinki. Son travail se matérialise sous de multiples formes telles que des installations, des performances et des gestes vidéoscéniques. Depuis 2010, il collabore avec le chorégraphe finlandais Simo Kellokumpu et, depuis 2012, il mène un travail en duo avec l’artiste Aurélie Pétrel. Il obtient en 2020 un Doctorat en Arts au Performing Arts Research Centre de l’Université des Arts d’Helsinki pour son projet de recherche artistique Reacclimating the Stage (Réacclimatations Scéniques).

Jean Luc Tartarin borrows images from the history of photography, which he reproduces in a file he calls “premier”, from which he can experiment with different interventions until he achieves the work he deems to be the best.
When he takes an old silver photograph, once scanned, it becomes like a negative. The raw file, of a particular nature, enables Jean Luc Tartarin to undertake the work of constructing a new image in a kind of digital alchemy. After this long process of invention, combining pleasure and struggle with virtual matter, the final file is embodied in the materiality of a print on chromogenic paper. The book is organized around three main iconographic themes: figures, flowers and forests. Forests have always been an important subject in the artist’s photographic research, which he has been pursuing for over fifty years.

Jean Luc Tartarin est né à Metz en 1951. Il vit et travaille dans la proche région de Metz. Autodidacte, il est lauréat du Prix Niepce en 1971. En 1972, à l’école des Beaux Arts de Metz, il devient le premier professeur de photographie dans une école d’art en France, fonction qu’il a occupé jusqu’en 2013.

Engagé dès le début des années 1970 dans une pratique artistique, où le médium photographique est exploré dans ses multiples facettes, dont la forêt, les arbres, deviennent le sujet de prédilection qui se construit dans la proximité du territoire de l’enfance. 

Jean Luc Tartarin borrows from the history of photography images that he will reproduce in a file which he calls «first» and from which he can experiment with different interventions until obtaining the works he considers to be finished.
When he grabs an old photograph, of argentic nature, once scanned, it becomes like a negative. The raw file, of a particular nature, allows Jean Luc Tartarin to undertake a work of construction of a new image in a kind of digital alchemy. 
After this long work of invention, mixing pleasure and struggle with virtual matter, the final file will be embodied in the materiality of a print on chromogenic paper.
In its work process, the table must not allow to perceive the pixels of which the image is made. Only materials, such as a painted painting, must be visible.
The book is organized around three great iconographic sets: figures, flowers and forests. The latter subject has always been important in the photographic research that the artist has been conducting for more than fifty years.

Cameroon, Mali, Niger, Burkina Faso, Nigeria, Algeria… In this deeply personal work, Jean-Christophe Béchet looks back thirty-five years on his first steps as a young photographer. This long-term work (three years of immersion), which he affectionately calls “my African years”, should have been his first book, but his personal and photographic life decided otherwise.

Few images circulated, the majority having remained in archive boxes all these years. Today, he has reworked his selection, seeking to find a new rhythm. He notes: “As we age, images change their status, some memories fade, others take over, some images take on greater force, others become repetitive and a little ‘cliché’. You have to be able to navigate between a kind of nostalgia (inevitable, since photography is also the art of the past) and a desire to build a contemporary work with photographs that are more than 35 years old”.

Most of the territories featured in African Memories are no longer accessible to French or European visitors. Mali, Niger and Burkina Faso, the countries that welcomed him so warmly with his backpack, are now closed places. This book is a vibrant tribute to Africa from a passionate photographer.

In 2003, in the singular setting of the ghost town of Cook, Australia, Laurent Mulot “implanted” the first Middle of Nowhere Contemporary Art Center with the only two inhabitants of this small town. This book is a monograph looking back on more than 20 years of research and encounters around the world, which gradually enabled the author to collaborate with astrophysicists on the notion of the “Middle of Nowhere”.

The work was analyzed by contemporary art historian and critic Paul Ardenne.

Laurent Mulot est un havrais basé à Lyon, en France. Il travaille autant à l’atelier que sur le terrain. Il utilise la performance, la photographie, le son, la vidéo dans une pratique d’installation multimédia. Le résultat s’incarne dans Middle of Nowhere, une oeuvre en cours qui prolifère depuis ses Centres d’art contemporains fantômes implantés sur les six continents. Il collabore avec certaines des plus importantes expériences mondiales de recherches fondamentales et avec des scientifiques spécialistes des particules à hautes énergies. C’est le cas pour les travaux Augenblick, Thinkrotron, et Aganta Kairos, qui continuent de creuser l’indicible au milieu de nulle part. En 2022, Middle of Nowhere s’enrichit d’un nouveau corpus nommé Origine, avec une œuvre s’intitulant Lawal Quilcas, qui
explore la relation des scientifiques et des indiens Mapuches avec les arbres millénaires de la Patagonie septentrionale…